Cada 22 de noviembre se celebra el Día Internacional del Músico, una fecha que honra a quienes dedican su vida a la música, ese arte universal que trasciende fronteras y épocas. La elección de este día no es casual; conmemora a Santa Cecilia, una mártir cristiana que, desde el siglo XV, es considerada patrona de los músicos. Según la tradición, Santa Cecilia cantaba a Dios incluso en los momentos más difíciles, convirtiéndose en un símbolo de inspiración y devoción musical
El origen de esta celebración remonta al año 1570, cuando en Évreux, Normandía, se organizó un torneo de compositores en honor a la música. A partir de 1695, Edimburgo y otras ciudades europeas como París y Madrid adoptaron la tradición. Más tarde, en Latinoamérica, la festividad llegó a países como Brasil, donde comenzó a celebrarse entre 1919 y 1920, y eventualmente se extendió al resto del continente
La música ha acompañado a la humanidad desde tiempos prehistóricos, evolucionando con cada cultura y época. Desde los cantos gregorianos de la Edad Media hasta los ritmos contemporáneos, ha sido vehículo de expresión, conexión y transformación. En México, por ejemplo, géneros como el mariachi, el huapango y la pirekua han llevado el alma del país al escenario mundial, con figuras como Consuelo Velázquez, José Alfredo Jiménez y Arturo Márquez dejando una huella imborrable
Hoy, esta fecha no solo celebra a los músicos profesionales, sino a todos los que encuentran en la música un refugio, una pasión o una vocación. Ya sea en el íntimo espacio de un salón de clases, en los grandes auditorios o en las calles donde los artistas independientes comparten su arte, cada melodía es una manifestación del esfuerzo y la creatividad que enaltece nuestra humanidad.
Felicidades a los músicos: a quienes con sus notas nos hacen vibrar, llorar, soñar y recordar. Que este día sirva para agradecerles por darle vida a las emociones a través de su arte. Como dijo Leonard Bernstein: «La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido». ¡Que nunca se apague su inspiración!
En esta clase de música, exploraremos a fondo el bajo cifrado y su importancia en la delineación de la armonía fundamental de una pieza musical. ¿Qué es el bajo cifrado? Es una técnica esencial para músicos, utilizada para representar acordes y armonías en partituras de manera simplificada. 📜🎼
Introducción al Bajo Cifrado:
– Explicación del concepto y su utilidad en la música.
– Cómo leer y realizar acordes a partir del bajo cifrado.
Realización de Armonías:
– Ejemplos prácticos de cómo complementar las notas del bajo cifrado con armonías.
– Diferentes maneras de realizar los acordes.
Trucos y Consejos:
– Cómo agregar variedad a la armonía.
– Ejemplos de inversiones de acordes para enriquecer tu interpretación.
Práctica en el Teclado: – Ejercicios para tocar acordes en posición fundamental y primera inversión.
– Improvisación y creatividad musical mediante restricciones armónicas. Análisis de Inversiones y Números:
– Significado de los números en el bajo cifrado y cómo interpretarlos.
– Diferencia entre posición e inversión de acordes. Ejercicios de Composición y Improvisación: – Técnicas para mejorar tus improvisaciones y composiciones.
– Ejemplos de secuencias armónicas y cómo escribirlas. Quiénes deberían ver este video:
– Estudiantes de música y pianistas.
– Compositores y arreglistas.
– Cualquier persona interesada en entender mejor la teoría musical y el bajo cifrado.
Transcripción del video:
Nuestra clase de hoy va a ser acerca del bajo cifrado. El bajo cifrado es una especie de código que utilizamos los músicos para, digamos, delinear la armonía fundamental de una pieza. En muchos casos, es la armonía así como que fija, o sea, lo que vamos a tener solamente en una partitura. Por ejemplo, yo puedo tener en un bajo cifrado algo que solamente se ve escrito así, pero si sé que es una armonía que se debe realizar, entonces ese es el término que voy a usar: «realizar».
Este es el bajo, y realizarlo sería complementarlo con la armonía que implica. Entonces tengo las notas do, sol, sol, do. Entonces tengo que tocar los acordes que expresan. Claro que lo puedo hacer de diferentes maneras.
[Música]
Aquí hice una pequeña trampa porque tuve el do, sol, pero puse esta séptima. Si pongo una séptima, entonces ya tengo que poner algo en el bajo. La única forma como se explica esto, por ejemplo, el de do, sol, sol, do. Solamente se ponen las notas do, sol, sol, do en el pentagrama. Con eso ya sé que es un acorde de do, dos acordes de sol y termina en un acorde de do.
Sol, sol, do. Este no tiene nada aquí abajo. Este sería aquí 5/3, 5/3, 5/3, 5/3, pero para no poner tanto rollo ahí, entonces solamente se pone do, sol, do y ya sé que con esto lo voy a terminar completando con un do, mi, sol y después aquí si, re, sol. Estos, por ejemplo, aquí cambian de posición porque es el mismo acorde y para que haya variedad. Porque también buscamos variedad dentro de la armonía, entonces hacemos ese cambio de posición en la mano derecha.
Si quiero que sea entonces es cuando vienen esos te lo voy a contar acá. O sea, por ejemplo, si yo tengo un acorde, ¿por qué tienen esos números? Si yo tengo un acorde, digamos, en posición fundamental, eso significa que es un acorde de quinta y tercera porque tengo un acorde, por ejemplo, do, sol, es una quinta. Do, mi, es una tercera. Es un acorde 5/3, pero para no ponerle tanto rollo es una 5/3, entonces eso se obvia. Si no aparece nada, es 5/3. Es un acorde en posición de quinta, o sea, un acorde en posición fundamental.
Pero si tengo, por ejemplo, una, hay ciertos números que implican que el acorde cambia de posición y hay otros números que implican que el acorde cambia de que se le agregan más sonidos. Ahora, voy a irme solamente ahorita con los más básicos, porque esos son los que yo utilizo para mis improvisaciones cuando estoy en las clases.
Vamos a ver para qué cambia de posición y qué significa esto. Si yo tengo un acorde de do, mi, sol, aquí. Entonces, más sabes qué, déjame mover la cámara un poquito más para acá para que veas mejor el teclado. Voy a tratar de mantenerlo muy, digamos, conciso. Un acorde de quinta es el acorde que tiene esta posición. Lo puedo cambiar aquí. Yo puedo cambiar la posición de mi mano, pero como siempre tengo el do aquí abajo, no cambia la inversión.
Ahora, una cosa es la posición y la otra cosa es la inversión. Muy importante eso. Si en vez de tener en el do, pongo un mi, y fíjate que acá no estoy tocando el mi en la mano derecha. Cuando pongo el mi acá, para que se escuche que el mi está acá abajo y no acá arriba, eso es la única razón. Esto es un acorde en primera inversión porque estoy invirtiendo el acorde. Por ejemplo, si solamente veo los tres sonidos de aquí, está la quinta y la tercera, pero si este lo pongo así, entonces aquí tengo una sexta y una tercera. La tercera, como te digo, la obvio, ni siquiera la hablo, pero cuando veo una nota que tiene un numerito 6 abajo, entonces ahí sí, ya es un acorde en primera inversión.
¿Por qué 5/3? Porque tengo, por ejemplo, aquí voy a poner do, mi, sol. Tengo una tercera y una quinta. Entonces es tercera y quinta. Entonces me queda así. Eso es porque esos son los intervalos, se basa en el intervalo. Entonces, por ejemplo, si tengo este mismo acorde, pero lo invierto, o sea, pongo en vez de poner el sol, el do abajo, entonces pongo el mi abajo y el do lo mando acá arriba. Entonces aquí me queda sexta y una tercera, pero acuérdense, la tercera la estoy obviando siempre. Nunca pongo la tercera a menos que sea para poner algo muy específico. Entonces, por ejemplo, tengo, si tengo un mi con un 6 abajo, significa que toco el mi, pero ese mi es un acorde en primera inversión. O sea, que ese mi es la sexta del acorde, por eso tiene el número. El número significa esta nota que vas a tocar es, en este caso, sexta. Está a una sexta de tu fundamental, del do fundamental.
Y primera inversión. ¿Qué es lo que hago en la mano derecha cuando pongo la primera inversión? No la dejo igual.
[Música]
Abro la mano para que suene, para que el mi suene acá abajo. O si estoy en un acorde de sol mayor,
[Música]
también abro la mano. Si estoy en un acorde de re. Ahora, vamos a ver qué ejercicio puede servirte para esto. Empieza por hacer un acorde fundamental y después el primer inversión y regresas a fundamental.
Y ahora viene lo que en verdad hacemos para improvisar.
[Música]
Entonces estoy tocando solamente sobre el primer grado. Es como si solamente estuviera haciendo un bordón.
[Música]
Solo que para darle un poco de más, digamos, variedad, entonces hago esta primera inversión, pero no toco solamente do, mi, do porque se puede confundir con mi menor. Entonces quiero que sea una primera inversión, entonces pongo las otras notas del acorde también para que se escuche que siempre do mayor y después solamente cantas una melodía.
[Música]
La idea no es que hagas melodías hermosas ni preciosas, como te acabas de dar cuenta, pero que solamente vayas haciendo como una base para que tu oído lo empiece a hacer y ya después.
[Música]
Y es lo mismo. Solo que aquí lo estoy haciendo la primera inversión solamente con la mano izquierda y la melodía con la mano derecha. Tener estas restricciones de movimiento en la improvisación, etcétera, ayuda mucho a que podamos buscar diferentes, ¿cómo decirlo? Sí, o sea, diferentes opciones para nuestra melodía. Siempre las restricciones nos van a ayudar a sacar una mayor creatividad. Entonces, eso es solamente lo que es la primera inversión sobre un solo acorde. Lo puedes hacer sobre un acorde menor también y no empieces cantando luego, luego. Solamente escúchalo y empieza a seguir la melodía.
[Música]
Esto también te va a ayudar para componer canciones, para tener unas improvisaciones más ricas. Mientras puedas hacer más con menos, al momento que tengas todo disponible para ti no vas a estar encasillada o encasillado en el mismo, digamos, en el mismo tren. Ok, voy a dejar este vídeo hasta aquí, que es acerca del bajo cifrado y la primera inversión, y vamos a empezar a ver a partir de ahorita cómo se escribe eso y cómo lo puedes interpretar una vez que lo ves escrito.
Vamos a empezar por el 6 y el 7, pero 2, 3, 4 y 5 todavía no. El 5 todavía le falta rato, entonces aquí solamente me quedaría 6, donde tengo mi borrador. Siempre les digo a mis alumnos, deben de tener un lápiz para que escriban todo lo que el director dice y un borrador para que borren todo lo que el director dice. Entonces aquí solamente me quedaría 6, primera inversión. Lleva un grandioso 6. Entonces si yo tengo aquí un mi, esto sería un acorde de mi menor, pero si esta misma nota la tengo pero abajo le puse un 6, este es un acorde de do mayor sobre mi.
Voy a hacer una secuencia armónica en este pequeño pentagrama. Solamente pongo aquí la clave de fa y aquí pongo mi, sol, sol, do. Este es un acorde en quinta, de posición de quinta. Estos también, y estos también en posición de quinta. Este es un acorde en posición de sexta. Entonces este es do mayor, do mayor, sol mayor, sol mayor y do. Puedo ponerle aquí algo para que sea más variado, pero además para encontrar esa tensión que buscamos dentro de la música, dentro de la armonía, para que se resuelva hacia este do. Y aquí sí vamos a utilizar el número 7.
El número 7, por ejemplo, no implica un cambio de inversión. El número 7 implica que estamos añadiendo una nota. El número 7, déjenme ver si va a acabar este aquí, sí. El número, por ejemplo, aquí a partir de sol, el número 7 significa que hay además de sol, sol, significa que voy a poner una séptima aquí y después vamos a ver, bueno, por qué es una séptima mayor, una séptima menor. Estamos trabajando sobre la escala. O sea, si no más dice 7 es el fa natural porque como estamos en do mayor, entonces es un fa natural. Sol, si, re
, fa. Entonces aquí, en el momento que llegamos aquí, vamos a trabajar un poquito lo que se llama tensiones. Entonces, por ejemplo, aquí sol mayor, y aquí otra vez la mano izquierda va a cambiar, ¿por qué? Porque tengo un fa natural en la mano derecha.
Entonces aquí vamos a ver cómo sería eso. Entonces esto sería sol mayor. Entonces sería sol mayor con séptima menor y esto se resuelve hacia do mayor. Es solamente un acorde de séptima. Entonces tengo sol mayor, pero a partir de aquí. O también si se escucha en música moderna también se puede agregar el fa, porque también hay inversiones con séptima, etcétera. Entonces aquí solamente el sol, re, fa, si, sol, re, fa, si, sol, re, fa, si, sol, do mayor.
[Música]
Puse el fa arriba para que se escuchara más el cambio de lo que estaba haciendo.
[Música]
Sol mayor, primera inversión, sol mayor, primera inversión, sol mayor, sol mayor, do mayor, do mayor, do mayor, do mayor. Vamos a ver con el fa.
[Música]
Es un acorde en posición de quinta. Y aquí tiene el fa natural, y sol mayor, y esto se resuelve. Entonces es sol mayor con séptima menor y esto se resuelve hacia do mayor. Entonces, ¿qué hago con esto?
Seymour Bernstein, un pianista y educador renombrado, a menudo enfatiza la naturaleza holística de la interpretación musical en sus entrevistas y clases magistrales. En sus conversaciones, destaca que ser músico implica más que habilidad técnica: requiere una conexión emocional, intelectual y física con la música. Específicamente, Bernstein sostiene que los músicos deben primero entender el mensaje emocional que el compositor desea transmitir. Este entendimiento emocional forma la base sobre la cual se construye el análisis intelectual de la partitura. En tercer lugar, los intérpretes deben incorporar físicamente estos conocimientos a través de su ejecución, creando una síntesis de mente, cuerpo y espíritu en su arte (Bernstein, 2014).
Conexión Emocional
El aspecto emocional de la música es quizás el más inmediatamente cautivador tanto para intérpretes como para audiencias. Seymour Bernstein enseña que para interpretar verdaderamente una pieza, uno debe internalizar las emociones que el compositor pretendía expresar. Esto significa ir más allá de las notas en la partitura, entender el contexto social e histórico de esa pieza en particular y sentir esas corrientes emocionales subyacentes. Por ejemplo, al interpretar un nocturno de Chopin, un pianista debe transmitir la melancolía, el anhelo o la alegría inherentes a la pieza, lo cual implica un profundo compromiso con la música. Este proceso emocional también debe involucrar la educación y armonización del cuerpo para que refleje y exprese estas emociones (Bernstein, 2014).
Desde la perspectiva de un maestro de Rítmica Dalcroze, este proceso emocional se profundiza a través de la educación del cuerpo para que se mueva de manera que refleje y exprese estas emociones. La Rítmica Dalcroze, desarrollada por Émile Jaques-Dalcroze, se enfoca en la conexión entre el movimiento y la música, y cómo el cuerpo puede ser un vehículo para entender y transmitir sentimientos musicales. A través de ejercicios rítmicos y movimientos corporales, los músicos aprenden a sentir y expresar las emociones de la música de una manera más tangible y kinestésica (Findlay, 1971).
Comprensión Intelectual
La comprensión intelectual de la música implica el estudio de la partitura, entender la estructura, la armonía y los matices de estilo de la pieza. Los recursos utilizados por el compositor para transmitir su mensaje deben ser entendidos profundamente por el intérprete. Bernstein a menudo señala que esto requiere un enfoque analítico riguroso. Los músicos necesitan diseccionar la música, entendiendo cómo interactúan los diferentes elementos y cómo contribuyen a la narrativa general de la pieza. Este fundamento intelectual permite a los intérpretes hacer elecciones interpretativas informadas que se alinean con las intenciones del compositor(Bernstein, 2014). Nuestro sistema nervioso debe estar preparado para esto, no solo a través de los ejercicios mecánicos o técnicos propios de un instrumento, sino del entendimiento de los mismos y la aplicación de este entendimiento a la interpretación (Jaques-Dalcroze, 1921).
Un maestro de Rítmica Dalcroze también enfatiza la importancia del entendimiento intelectual, pero lo combina con el movimiento para reforzar la comprensión teórica. Por ejemplo, los patrones rítmicos complejos pueden ser internalizados mejor a través de la marcha o el uso de gestos que representan diferentes métricas y ritmos. Esto no solo ayuda a memorizar y entender la estructura musical, sino que también mejora la precisión rítmica y la fluidez interpretativa (Findlay, 1971).
Incorporación Física
El compromiso físico con la música significa desarrollar las habilidades técnicas y la coordinación física necesarias para expresar los conocimientos emocionales e intelectuales a través de la interpretación. El enfoque de Bernstein en la técnica pianística enfatiza movimientos naturales y sin esfuerzo que permiten una libertad expresiva. Esta conexión física es crucial, ya que transforma la comprensión y las emociones del intérprete en sonido. La técnica efectiva no es un fin en sí mismo, sino un medio para comunicar la esencia más profunda de la música (Bernstein, 2014).
En la Rítmica Dalcroze, la incorporación física se lleva a cabo a través de la práctica regular de ejercicios que vinculan el movimiento corporal con la música. Estos ejercicios ayudan a los músicos a desarrollar una mayor conciencia corporal y coordinación, lo cual es esencial para una interpretación técnica fluida. Además, los ejercicios de euritmia pueden mejorar la capacidad del intérprete para mantener una postura relajada y eficiente, lo que es fundamental para tocar un instrumento con expresividad y precisión (Findlay, 1971).
Integración del Ser Completo
La filosofía de Bernstein y de Dalcroze sugiere que la interpretación musical es un acto de integrar el ser completo: emocional, intelectual y físicamente. Este enfoque holístico fomenta una conexión más profunda con la música y una interpretación más significativa. Para los músicos, esto significa un continuo autodescubrimiento y crecimiento, tanto como artistas como individuos. Las enseñanzas de ambos pedagogos nos recuerdan que ser músico no es solo dominar un instrumento, sino expresar nuestra humanidad completa a través del arte (Bernstein, 2014; Findlay, 1971).
Puntos de encuentro
Las ideas de Seymour Bernstein sobre la interpretación musical, combinadas con las prácticas de la Rítmica Dalcroze, proporcionan un marco valioso para los músicos que buscan profundizar su conexión con su arte. Al entender y aplicar las dimensiones emocionales, intelectuales y físicas de la música, los intérpretes pueden lograr un producto artístico más holístico y expresivo. Este enfoque no solo mejora la competencia técnica, sino que también enriquece la profundidad emocional y el poder comunicativo de sus interpretaciones, haciendo la experiencia más significativa tanto para el intérprete como para la audiencia.
Referencias
Bernstein, S. (2014). Seymour: An Introduction. Documentary. Directed by Ethan Hawke.
Findlay, E. (1971). Jaques-Dalcroze: La Rítmica. Editorial Paidós.
Jaques-Dalcroze (1921). Rhythm, music and education. The Dalcroze society.
Landen Odom, S. (2019). Researching Elsa Findlay: Dalcroze teacher, choreographer, writer Le rythme. F.I.E.R.
Para más información, puedes consultar la entrevista completa de Seymour Bernstein y el documental «Seymour: An Introduction», así como los textos fundamentales sobre la Rítmica Dalcroze.
La música atonal se aleja completamente de cualquier centro o relación tonal. El principio de la atonalidad es ese: Romper con la relación de tensión-estabilidad que te da una jerarquía de sonidos. Una vez escuché a la pianista Mitsuko Uchida decir: «Debussy tomó la jerarquía y se deshizo de ella ‘así’. Schoenberg la tomó, la sacudió y después peleó contra ella» y así fue como se «escapó» del yugo de la tonalidad. (Si quieres ver esa entrevista puedes hacer click en este enlace)
Al improvisar de forma atonal esto nos sirve de referencia. Pero no es absoluto, nada en el arte lo es. Lo que hacemos es dejarnos de ataduras armónicas, convenciones melódicas, de métrica y articulación. La improvisación atonal tiene que ver con la exploración del sonido.
En el siguiente video encontrarás un ejercicio que te servirá para tener un punto de partida en tu improvisación. No se trata sólo de aventar los dedos a ver en dónde caen. Lo que hay que hacer es escuchar. Eso es lo mas importante: Escuchar.
Estaba escuchando un cerca de la práctica, de como practicar mejor. Yo tengo una entrada en el blog acerca de esto de como optimizar tu tiempo de práctica. Pero en estos 40 minutos de trayecto en la moto, escuché buenas ideas que podría poner en práctica incluso con la orquesta. Porque con ellos el hecho de practicar es tocar juntos. Nada mas, nada menos. Cómo puedo hacer para que este tiempo de práctica en nuestro conjunto sea significativo.
Al principio de la entrevista hablaban del mero concepto de practicar. En inglés, francés, alemán y seguramente otros idiomas que desconozco, la palabra Jugar es la misma que tocar, es decir Jugar un juego y tocar un instrumento utilizan el mismo verbo. Y esto nos da una idea de lo que las personas buscan cuando se acercan a un instrumento musical. No se acercan a el para aprender a leer notas, ni para aprender de teoría musical. El primer acercamiento viene del deseo de obtener placer realizando la práctica de tocar un instrumento. Cuando llegan alumnos a nuestro estudio, les damos su clase de forma lúdica, con muchos recursos y luego les pedimos que practiquen en su casa. Afortunadamente, ya hay mas consciencia de parte de los maestros de explicar como debe practicar el alumno. Pero todavía hay camino por recorrer en este aspecto, porque los alumnos se siguen sintiendo presionados por practicar por obtener cierto resultado, la práctica hace al maestro. Pero yo prefiero que la práctica detone el placer.
Para aprender a practicar deberíamos poder utilizar la palabra sin que tenga una carga de responsabilidad o compromiso hacia el maestro. La práctica es para uno mismo, la haces por ti y tu deseo de mejorar. El juicio del maestro es completamente paralelo a ella. Claro que el maestro o maestra debe estar en este marco de pensamiento también, porque escucho a muchos de los maestros con quienes trabajo decir: “Eso está muy bonito”, “Les salió muy bien” o el infame “Eso si me gusta”. Una sesión de practica debe tener un resultado positivo para el alumno solamente, el maestro debe mantener su juicio alejado de esto, pues sólo construye en el alumno la dependencia de la aprobación de la autoridad.
Enseñar a practicar involucra la independencia del alumno para hacerse cargo de su propio conocimiento y desarrollo. Al principio ésta habilidad es casi nula, pues debemos guiar cada paso del estudiante, pero a medida que progrese en su estudio debemos darle las herramientas para que pueda trabajar y aprender sola o solo. Entonces, ¿Cómo les enseñamos a los alumnos a practicar?
Al final de la entrevista le preguntaron al autor (escribió un corto libro acerca de eso) 10 tips para practicar. Creo que se puso de mil colores cuándo le preguntaron, pero pero dio unos muy buenos consejos. Fue brincando un poco, pero lo que recuerdo es lo que leeremos en los próximos párrafos.
Prepara todo lo que necesitas
No solamente desde el punto de vista de partituras, instrumento y ya. Asegurate que tu espacio esté bien para tu tiempo de práctica. Esto seguramente lo tendrás que ver con mucho detalle las primeras veces que lo practiques, pero a medida que se vuelve un hábito, tendrás todo en su sitio y mejorará el ritmo de tu práctica. Yo le recomiendo a mis alumnos que se sienten cómodamente (pero no mucho), que tengan lápiz y borrador a la mano, la partitura, la luz adecuada y si van a practicar por mas de 15 minutos que tengan un vaso de agua a la mano o cerca. Así se podrán poner de pie para esto y continuar sin imnterrumpir su ritmo de práctica. Concentrarse toma un buen rato, aproximadamente 7 minutos. El ensayo pasado tuve un problema porque mientras revisaba algo con los alientos, los pianos y cuerdas estaban viendo sus teléfonos, esto no sólo rompió su concentración de la pieza, sino que eliminó la posibilidad de hacer un ensayo ágil, ya que cada vez que les pedía su participación tenían que encontrar un lugar seguro para su teléfono, porque todos sabemos que un atril puede ser catastrófico para un dispositivo movil a menos que sea lo único que está en el. Y ponerlo en el piso tiene el gran riesgo de pisarlo en cualquier movimiento!
Prepara tu tiempo de práctica
Sintonízate con la música que realizarás, puedes escuchar una grabación de forma pasiva incluso para hacerlo, o también leer la partitura mientras lo haces. De hecho creo que usaré este recurso con mi orquesta. Tenemos el render orquestal en Youtube para que la puedan escuchar. Al mismo tiempo, siendo YouTube, podemos escucharla mas lento si se necesita y esto podría ayudar a los pasajes rítmicos mas complejos. Claro que hay muchas estrategias para esto, pero yo recurro a la tecnología, ya que esta ayudará a que mis alumnos experimenten ese placer de hacer música, necesito que escuchen, no que estén todo el tiempo estresados por las notas y el ritmo. La sesión anterior tuvimos un momento en el que tocábamos acordes y cambiábamos la dinámica. Eso es un buen ejercicio que tendré que hacer todas las sesiones. Sólo una hoja con varios acordes escritos y les daré a ellos la opción de elegir la nota que quieran y trabajaremos con eso dinámica. También lo podemos hacer con un acorde solitario y largo. Que no se detenga, simplemente seguir tocando la misma nota, hasta que el director cierre la mano.
Otro aspecto importante de la preparación es saber que esperas de ese día de practica. En la orquesta ensayamos 1.5 horas a la semana. Es poco, pero lo suficiente para enseñarles hábitos de estudio a los alumnos, eso es lo que trabajo. El resultado entonces, se escuchará en el siguiente ensayo. Pero es importante el seguimiento.
Realiza todo con consciencia plena
Incluso si es afinar la guitarra, poner la partitura en el atril o ponerle brea al arco, haz cada tarea con un propósito en la mente. Entonces, cada actividad que hagas te está preparando para la actividad que tendrás no sólo fisicamente, sino mentalmente y técnicamente. Toma consciencia de tu cuerpo, las partes específicas que hacen contacto con tu instrumento.
Preparación física
Es muy benéfico realizar ejercicios de respiración y calentamiento. Aunque aquí el autor habló en el podcast de estiramientos, estoy en desacuerdo con llamarlos así, porque para poder realizar estiramientos, necesitas el calentamiento. Entonces busco que mis alumno no confundan el poner en acción un músculo con estirar ese músculo cuando todavía está en reposo y podría lastimarlo. Practica tu forma de sentarte, tu postura al tocar sin instrumento, con instrumento, imagina como vas a tocar. Todo esto es muy benéfico y trato de hacerlo con mis alumnos. Ahora, mientras escribo esto, pienso que lo debo hacer con la orquesta, pues necesitamos homologar nuestra postura si quiero que homologuemos nuestro sonido. Uno de los problemas que veo es que se sientan con la espalda recargada en la silla y el teléfono (una vez mas hace su aparición) en el regazo, creando una tensión completamente innecesaria. Yo resumiría la preparación física a ejercicios de respiración, consciencia de tensión y postura sin el instrumento y con el instrumento. Siempre hablamos de relajar, pero muy pocas veces se les dice a los alumnos como hacer esto. Sólo les decimos: Relaja, muchas veces con un tono de voz que dista de la relajación. Por eso, hay que entrenar esta forma de relajar.
Practicar habilidades básicas
Técnica, entendimiento y creatividad. Realizar ejercicios que involucren estas areas es muy importante, nos dice el autor, para nuestro desarrollo y una práctica productiva. La idea de la que habla en esta emisión es tomar un elemento técnico e incorporar el entendimiento y la creatividad después. Por ejemplo si vas a hacer escalas en el piano, trata de en verdad leer las notas que estás tocando, aunque no tengas que hacerlo, esto te ayudará a establecer una relación entre vista y manos y como se organizan las notas en el pentagrama. Finalmente, trabaja el aspecto creativo cambiando el tempo, dinámica, matices de agógica o incluso creando patrones melódicos con la escala. Luego lo haces a la 10a, la 6a, etc. pero con cuidado de no irte por un camino que te quite de practicar tu repertorio o lo que sea que vayas a hacer ese día.
Toca piezas activas
No tiene que ser la sonata de Beethoven que tocaste el año pasado (o hace 10), pero si es necesario poder tocar algo en cualquier momento. Mi alumno mas joven de piano tiene 6 años y tengo la confianza de que podría sentarse a tocar en cualquier piano alguna pieza de su repertorio, pero mejor aun, podría improvisar alguna melodía si le digo la historia de algún espía o algún animal que decidió ir a tomarse un baño.
El autor y entrevistador terminaron hablando de como lo importante al dar clases de música es que podamos enseñarles a nuestros alumnos a expresarse espontáneamente a través de un instrumento musical, aunque no te consideres un pianista por no ser un concertista, pero como me mi maestra: “Manuel, tu eres un músico que toca el piano, no un pianista”. La primera vez que escuché eso, me desmoralizó. Pero al ver mi corazón rompiendo, matizó su comentario diciendo: “Si, tus habilidades como músico, no se confinan al piano”. Todavía no era maestro en esa época y no había tenido gran experiencia como compositor, pero esas palabras lograron que se abriera mi perspectiva de lo que había logrado hasta el momento como músico.
Cada quien practica de manera diferente y difícilmente podemos hacer practicas estandarizadas sin caer en vicios que sean perjudiciales. Lo mas importante es que nuestros alumnos aprendan a disfrutar su practica y para eso tenemos que ponernos en sus zapatos y pensar que es lo que ellos quieren de las clases de música y como lo podemos llevar adelante!
La clase más corta que doy es de 30 minutos y es para alumnos de piano menores de 8 años, porque honestamente pienso que más tiempo de eso se vuelve aburrido para el niño y me transformo en una «guardería glorificada». Sin embargo, me da tiempo para bromear con mi alumno, jugar, hacer preguntas irrelevantes, etc. Y esto me permite conectar con mi alumno de una forma mas íntima y eso lleva a un aprendizaje mas significativo. Es decir, a veces termino estando con mi alumno por mas de 30 minutos, pero su clase tuvo 30 minutos de instrucción. No, no lo llevo con cronómetro, pero siempre estoy pendiente del reloj.
Cuadernos Bamboo paper
Tengo un cuaderno para cada uno de mis alumnos, ahi hago anotaciones, fechas, qué fue lo que vimos, etc. No es muy estructurado, simplemente es una bitácora que me ayuda a recordar lo que hicimos. Antes de la clase con cualquiera de mis alumnos o grupos veo esa bitácora, para recordar «en donde nos quedamos». Es diferente que seguir la planeación anual, porque cada clase voy cumpliendo con mis objetivos, pero la forma en que hablamos de ellos va siendo diferente, el personaje que mis alumnos conocen en cada clase es diferente para cada quien y como doy clases en primaria, secundaria y tengo alumnos profesionales, me gusta ser congruente en como me presento ante ellos.
La «preparación» me toma bastante tiempo, y lo escribo entre comillas, porque se podría pensar que preparo el material, y planeo el paso a paso de la clase, pero eso es la planeación, la preparación es diferente, porque el alumno tendrá algo que hacer que me hará cambiar mi planeación, así que yo sólo pienso en lo que querré enseñarle hoy para que pueda seguir mejorando su entendimiento del fenómeno musical, pero depende de lo que el me diga avanzaremos de distintas maneras. Trato de prepararme al menos una hora antes, en la que ya no tendré que hacer nada, mas que meditar, respirar y quizá preparar el aspecto técnico de la clase (si es en linea, preparar audio e iluminación). Lo importante, es que cuando mí alumno aparezca, yo esté 100% con ella o el, y que además lo haya estado durante los últimos 30 minutos al menos. No me gusta llegar corriendo, o sentir que así sucede, porque me tardo un buen rato en meterme en la misma sintonía con mi estudiante.
La idea principal es entonces, conectar con tu estudiante desde el primer minuto y no sólo preguntando: ¿Cómo estás? sino ¿Qué haz hecho hoy? ¿Cómo sigues de la gripa que tuviste la semana pasada? etc. Piensa en tu estudiante. Piensa en ti como estudiante y que es lo que mas recuerdas de tu relación con tu maestra o maestro de instrumento. ¿Cuándo se volvió verdaderamente significativa? Una vez que recuerdes esto, trata de ofrecérselo a tus estudiantes, sin querer ser como tu maestra o maestro, se tu misma, auténtica y no dejes de serlo porque eso es precioso para tus alumnos.
