Cada 22 de noviembre se celebra el Día Internacional del Músico, una fecha que honra a quienes dedican su vida a la música, ese arte universal que trasciende fronteras y épocas. La elección de este día no es casual; conmemora a Santa Cecilia, una mártir cristiana que, desde el siglo XV, es considerada patrona de los músicos. Según la tradición, Santa Cecilia cantaba a Dios incluso en los momentos más difíciles, convirtiéndose en un símbolo de inspiración y devoción musical
El origen de esta celebración remonta al año 1570, cuando en Évreux, Normandía, se organizó un torneo de compositores en honor a la música. A partir de 1695, Edimburgo y otras ciudades europeas como París y Madrid adoptaron la tradición. Más tarde, en Latinoamérica, la festividad llegó a países como Brasil, donde comenzó a celebrarse entre 1919 y 1920, y eventualmente se extendió al resto del continente
La música ha acompañado a la humanidad desde tiempos prehistóricos, evolucionando con cada cultura y época. Desde los cantos gregorianos de la Edad Media hasta los ritmos contemporáneos, ha sido vehículo de expresión, conexión y transformación. En México, por ejemplo, géneros como el mariachi, el huapango y la pirekua han llevado el alma del país al escenario mundial, con figuras como Consuelo Velázquez, José Alfredo Jiménez y Arturo Márquez dejando una huella imborrable
Hoy, esta fecha no solo celebra a los músicos profesionales, sino a todos los que encuentran en la música un refugio, una pasión o una vocación. Ya sea en el íntimo espacio de un salón de clases, en los grandes auditorios o en las calles donde los artistas independientes comparten su arte, cada melodía es una manifestación del esfuerzo y la creatividad que enaltece nuestra humanidad.
Felicidades a los músicos: a quienes con sus notas nos hacen vibrar, llorar, soñar y recordar. Que este día sirva para agradecerles por darle vida a las emociones a través de su arte. Como dijo Leonard Bernstein: «La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido». ¡Que nunca se apague su inspiración!
Seymour Bernstein, un pianista y educador renombrado, a menudo enfatiza la naturaleza holística de la interpretación musical en sus entrevistas y clases magistrales. En sus conversaciones, destaca que ser músico implica más que habilidad técnica: requiere una conexión emocional, intelectual y física con la música. Específicamente, Bernstein sostiene que los músicos deben primero entender el mensaje emocional que el compositor desea transmitir. Este entendimiento emocional forma la base sobre la cual se construye el análisis intelectual de la partitura. En tercer lugar, los intérpretes deben incorporar físicamente estos conocimientos a través de su ejecución, creando una síntesis de mente, cuerpo y espíritu en su arte (Bernstein, 2014).
Conexión Emocional
El aspecto emocional de la música es quizás el más inmediatamente cautivador tanto para intérpretes como para audiencias. Seymour Bernstein enseña que para interpretar verdaderamente una pieza, uno debe internalizar las emociones que el compositor pretendía expresar. Esto significa ir más allá de las notas en la partitura, entender el contexto social e histórico de esa pieza en particular y sentir esas corrientes emocionales subyacentes. Por ejemplo, al interpretar un nocturno de Chopin, un pianista debe transmitir la melancolía, el anhelo o la alegría inherentes a la pieza, lo cual implica un profundo compromiso con la música. Este proceso emocional también debe involucrar la educación y armonización del cuerpo para que refleje y exprese estas emociones (Bernstein, 2014).
Desde la perspectiva de un maestro de Rítmica Dalcroze, este proceso emocional se profundiza a través de la educación del cuerpo para que se mueva de manera que refleje y exprese estas emociones. La Rítmica Dalcroze, desarrollada por Émile Jaques-Dalcroze, se enfoca en la conexión entre el movimiento y la música, y cómo el cuerpo puede ser un vehículo para entender y transmitir sentimientos musicales. A través de ejercicios rítmicos y movimientos corporales, los músicos aprenden a sentir y expresar las emociones de la música de una manera más tangible y kinestésica (Findlay, 1971).
Comprensión Intelectual
La comprensión intelectual de la música implica el estudio de la partitura, entender la estructura, la armonía y los matices de estilo de la pieza. Los recursos utilizados por el compositor para transmitir su mensaje deben ser entendidos profundamente por el intérprete. Bernstein a menudo señala que esto requiere un enfoque analítico riguroso. Los músicos necesitan diseccionar la música, entendiendo cómo interactúan los diferentes elementos y cómo contribuyen a la narrativa general de la pieza. Este fundamento intelectual permite a los intérpretes hacer elecciones interpretativas informadas que se alinean con las intenciones del compositor(Bernstein, 2014). Nuestro sistema nervioso debe estar preparado para esto, no solo a través de los ejercicios mecánicos o técnicos propios de un instrumento, sino del entendimiento de los mismos y la aplicación de este entendimiento a la interpretación (Jaques-Dalcroze, 1921).
Un maestro de Rítmica Dalcroze también enfatiza la importancia del entendimiento intelectual, pero lo combina con el movimiento para reforzar la comprensión teórica. Por ejemplo, los patrones rítmicos complejos pueden ser internalizados mejor a través de la marcha o el uso de gestos que representan diferentes métricas y ritmos. Esto no solo ayuda a memorizar y entender la estructura musical, sino que también mejora la precisión rítmica y la fluidez interpretativa (Findlay, 1971).
Incorporación Física
El compromiso físico con la música significa desarrollar las habilidades técnicas y la coordinación física necesarias para expresar los conocimientos emocionales e intelectuales a través de la interpretación. El enfoque de Bernstein en la técnica pianística enfatiza movimientos naturales y sin esfuerzo que permiten una libertad expresiva. Esta conexión física es crucial, ya que transforma la comprensión y las emociones del intérprete en sonido. La técnica efectiva no es un fin en sí mismo, sino un medio para comunicar la esencia más profunda de la música (Bernstein, 2014).
En la Rítmica Dalcroze, la incorporación física se lleva a cabo a través de la práctica regular de ejercicios que vinculan el movimiento corporal con la música. Estos ejercicios ayudan a los músicos a desarrollar una mayor conciencia corporal y coordinación, lo cual es esencial para una interpretación técnica fluida. Además, los ejercicios de euritmia pueden mejorar la capacidad del intérprete para mantener una postura relajada y eficiente, lo que es fundamental para tocar un instrumento con expresividad y precisión (Findlay, 1971).
Integración del Ser Completo
La filosofía de Bernstein y de Dalcroze sugiere que la interpretación musical es un acto de integrar el ser completo: emocional, intelectual y físicamente. Este enfoque holístico fomenta una conexión más profunda con la música y una interpretación más significativa. Para los músicos, esto significa un continuo autodescubrimiento y crecimiento, tanto como artistas como individuos. Las enseñanzas de ambos pedagogos nos recuerdan que ser músico no es solo dominar un instrumento, sino expresar nuestra humanidad completa a través del arte (Bernstein, 2014; Findlay, 1971).
Puntos de encuentro
Las ideas de Seymour Bernstein sobre la interpretación musical, combinadas con las prácticas de la Rítmica Dalcroze, proporcionan un marco valioso para los músicos que buscan profundizar su conexión con su arte. Al entender y aplicar las dimensiones emocionales, intelectuales y físicas de la música, los intérpretes pueden lograr un producto artístico más holístico y expresivo. Este enfoque no solo mejora la competencia técnica, sino que también enriquece la profundidad emocional y el poder comunicativo de sus interpretaciones, haciendo la experiencia más significativa tanto para el intérprete como para la audiencia.
Referencias
Bernstein, S. (2014). Seymour: An Introduction. Documentary. Directed by Ethan Hawke.
Findlay, E. (1971). Jaques-Dalcroze: La Rítmica. Editorial Paidós.
Jaques-Dalcroze (1921). Rhythm, music and education. The Dalcroze society.
Landen Odom, S. (2019). Researching Elsa Findlay: Dalcroze teacher, choreographer, writer Le rythme. F.I.E.R.
Para más información, puedes consultar la entrevista completa de Seymour Bernstein y el documental «Seymour: An Introduction», así como los textos fundamentales sobre la Rítmica Dalcroze.
La escuela Alemana Hellerau: cuna de innovación artística y educativa
La Escuela Alemana Hellerau, situada en la histórica ciudad de Dresde, representa un pilar fundamental en la historia de la educación y la creatividad artística. Dentro de esta escuela se fundó un edificio para Emile Jaques-Dalcroze músico y pedagogo suizo en 1910 este instituto dedicado a la música fue un epicentro de experimentación educativa y artística que marcó un hito en la integración de música, danza y movimiento en la enseñanza.
Festspielhaus Hellerau
El legado de Emile Jaques-Dalcroze y su método revolucionario
Jaques-Dalcroze, músico y pedagogo de origen suizo, nacido en Viena, formado entre Ginebra, Viena y Paris, llevó su visión pedagógica a otro nivel al crear una sinergia única entre la música y la expresión corporal fue el arquitecto de la innovadora «Gymnastique rythmique», un método educativo revolucionario que fusionaba la música con la expresión corporal y el movimiento al cual se le llamaba en Alemania Rhythmische Gymnastik.
Su trabajo comenzó en su país de origen, después estableció la escuela Alemana en Hellerau la cual se convirtió en un centro de referencia para su enfoque pedagógico e inspiración de lo que más tarde sería el instituto Jaqués-Dalcroze en Ginebra. Su método, que abogaba por el aprendizaje a través de la experimentación y la sincronización del movimiento con la música, atrajo a estudiantes de toda Europa.
El nacimiento en Hellerau de la Bildungsanstalt für Musik und Rhythmus (Escuela nacional para la música y el ritmo)
En 1910, con el apoyo del empresario Wolf Dohrn quien fuera un influyente investigador educativo y cultural, Jaques-Dalcroze estableció la escuela Alemana Hellerau (Bildungsanstalt für Musik und Rhythmus). Fue construida según el concepto del arquitecto Heinrich Tessenow en el Gartenstadt Hellerau, su arquitectura clara fue el inicio del estilo Bauhaus.
Esta institución se destacó por su compromiso con la integración total de la música y el movimiento en la enseñanza. Contó con la participación de las innovadoras bailarinas y profesoras de danza Gret Palucca y Mary Wigman, quienes años más tarde continuarían con carreras proliferas y exitosas. También se sumó a la realización de festivales y la construcción del escenario de la gran sala el cual era muy innovador para la época ya que era modular y con un gran despliegue tecnológico en la iluminación, el prestigioso escenógrafo Adolphe Appia, cercano colaborador de Dalcroze.
Mary Wigman
Durante sus primeros años, la escuela atrajo a destacados artistas y músicos de todo el mundo como alumnos y colaboradores, tal es el caso de Isadora Duncan. Hellerau se convirtió en un referente en la vanguardia artística de la época.
Isadora Duncan
Desafíos y cierre temporal
Tras la muerte de Wolf Dohrn en 1914, el estallido de la Primera Guerra Mundial y la renuencia por parte del gobierno para que permaneciera en el país al no ser ciudadano del mismo, Dalcroze tuvo que dejar Alemania, por lo que la escuela tendría que cerrar sus puertas a la educación y dar paso a varios usos que fue desde una base militar hasta un centro de rehabilitación.
El cierre temporal no significó su fin, sino más bien una pausa necesaria para replantearse y adaptarse a las circunstancias cambiantes del mundo. Hellerau estaba destinada a reinventarse y resurgir con un nuevo impulso después de la guerra, continuando su búsqueda por la excelencia en la educación y las artes.
La escuela Hellerau, después de un período de inactividad, fue revivida en 2006, el complejo se reabrió con una orientación más hacia las artes escénicas contemporáneas. Fue un intento de traer de vuelta la rica tradición cultural que alguna vez floreció en este lugar. La reapertura marcó un nuevo comienzo para Hellerau, manteniendo su importancia en el mundo artístico y cultural actual.
La filosofía de Emile Jaques-Dalcroze, centrada en la conexión íntima entre música, movimiento y expresión corporal, sigue siendo una fuente de inspiración para la educación artística moderna.
En cada rincón de este espacio, la esencia de Dalcroze perdura, recordándonos que el arte y la educación, cuando se funden en una armonía perfecta, pueden transformar al mundo.
La música es una disciplina que puede resultar fascinante y enriquecedora para quienes deciden adentrarse en ella. Sin embargo, el aprendizaje de la música también puede ser un proceso complejo y a veces frustrante, especialmente para aquellos que se enfrentan por primera vez a un instrumento o a una partitura.
Para hacer más accesible el aprendizaje musical y fomentar la pasión por la música, existen diferentes metodologías que han sido desarrolladas por expertos en el campo de la educación musical. Una de ellas es la rítmica Dalcroze, un enfoque innovador que utiliza el movimiento y la corporeidad para el aprendizaje de la música.
¿Qué es la rítmica Dalcroze?
La rítmica Dalcroze es una metodología de enseñanza musical que fue desarrollada a finales del siglo XIX por el músico y pedagogo suizo Émile Jaques-Dalcroze. Esta metodología se basa en el concepto de que el movimiento corporal es esencial para el aprendizaje musical, ya que permite una comprensión más profunda y completa de la música.
En la rítmica Dalcroze, los estudiantes aprenden a través de la exploración del movimiento y del ritmo, utilizando actividades como la danza, el canto, la percusión y la improvisación. A través de estas actividades, los estudiantes desarrollan habilidades como la coordinación, la concentración, la memoria y la creatividad, mientras que al mismo tiempo adquieren un conocimiento profundo y preciso de la música.
Los beneficios de la rítmica Dalcroze
La rítmica Dalcroze ofrece una serie de beneficios para el aprendizaje musical y el desarrollo de habilidades cognitivas y motoras. Algunos de los beneficios más relevantes son:
Mejora de la coordinación y el equilibrio corporal.
Desarrollo de la capacidad de concentración y atención.
Fomento de la creatividad y la improvisación musical.
Aprendizaje preciso de conceptos rítmicos y musicales.
Desarrollo de la memoria musical.
La importancia de la rítmica Dalcroze en la educación musical
La rítmica Dalcroze es una metodología que se adapta especialmente bien a la educación musical de niños y jóvenes, ya que les permite aprender de una manera lúdica y participativa. Además, la rítmica Dalcroze puede ser de gran utilidad para aquellos que tienen dificultades para aprender de manera convencional o que presentan trastornos del aprendizaje, ya que ofrece una alternativa más accesible y atractiva para el aprendizaje musical.
La rítmica Dalcroze también puede ser de gran utilidad para los profesores de música, ya que les permite explorar nuevos enfoques y estrategias para la enseñanza de la música. Además, la rítmica Dalcroze puede ayudar a mejorar la calidad de las clases de música y a fomentar la pasión por la música entre los estudiantes.
En el video, se hace referencia a dos aspectos de mi enseñanza a través del método Dalcroze: las «manos Dalcroze» y el caminar Dalcroze. En primer lugar, las «manos Dalcroze» se refieren a una técnica que consiste en utilizar las manos como herramientas para explorar el ritmo y la musicalidad. Esta técnica es especialmente útil para los estudiantes que están aprendiendo a tocar un instrumento, ya que les permite desarrollar una mayor sensibilidad y precisión en su interpretación.
En el video, se describen los tres puntos esenciales de las «manos Dalcroze», que son la consciencia del movimiento en las rodillas, manos y la mirada. Estos puntos son fundamentales para la correcta ejecución de la técnica y para la mejora de la habilidad musical.
En segundo lugar, el caminar Dalcroze se refiere a una técnica que utiliza el movimiento del cuerpo para explorar el ritmo y la musicalidad. En el video, se describe cómo el caminar Dalcroze puede ayudar a los estudiantes a mejorar su capacidad de coordinación y concentración, así como a desarrollar una mayor sensibilidad musical. Además verás donde está el origen de cualquier desplazamiento.
Seguramente haz trabajado variaciones de estas actividades en tus clases. Espero que estas recomendaciones te ayuden a definir ponderaciones congruentes para tus alumnos, comenta cualquier duda o pregunta que tengas!
La clase más corta que doy es de 30 minutos y es para alumnos de piano menores de 8 años, porque honestamente pienso que más tiempo de eso se vuelve aburrido para el niño y me transformo en una «guardería glorificada». Sin embargo, me da tiempo para bromear con mi alumno, jugar, hacer preguntas irrelevantes, etc. Y esto me permite conectar con mi alumno de una forma mas íntima y eso lleva a un aprendizaje mas significativo. Es decir, a veces termino estando con mi alumno por mas de 30 minutos, pero su clase tuvo 30 minutos de instrucción. No, no lo llevo con cronómetro, pero siempre estoy pendiente del reloj.
Cuadernos Bamboo paper
Tengo un cuaderno para cada uno de mis alumnos, ahi hago anotaciones, fechas, qué fue lo que vimos, etc. No es muy estructurado, simplemente es una bitácora que me ayuda a recordar lo que hicimos. Antes de la clase con cualquiera de mis alumnos o grupos veo esa bitácora, para recordar «en donde nos quedamos». Es diferente que seguir la planeación anual, porque cada clase voy cumpliendo con mis objetivos, pero la forma en que hablamos de ellos va siendo diferente, el personaje que mis alumnos conocen en cada clase es diferente para cada quien y como doy clases en primaria, secundaria y tengo alumnos profesionales, me gusta ser congruente en como me presento ante ellos.
La «preparación» me toma bastante tiempo, y lo escribo entre comillas, porque se podría pensar que preparo el material, y planeo el paso a paso de la clase, pero eso es la planeación, la preparación es diferente, porque el alumno tendrá algo que hacer que me hará cambiar mi planeación, así que yo sólo pienso en lo que querré enseñarle hoy para que pueda seguir mejorando su entendimiento del fenómeno musical, pero depende de lo que el me diga avanzaremos de distintas maneras. Trato de prepararme al menos una hora antes, en la que ya no tendré que hacer nada, mas que meditar, respirar y quizá preparar el aspecto técnico de la clase (si es en linea, preparar audio e iluminación). Lo importante, es que cuando mí alumno aparezca, yo esté 100% con ella o el, y que además lo haya estado durante los últimos 30 minutos al menos. No me gusta llegar corriendo, o sentir que así sucede, porque me tardo un buen rato en meterme en la misma sintonía con mi estudiante.
La idea principal es entonces, conectar con tu estudiante desde el primer minuto y no sólo preguntando: ¿Cómo estás? sino ¿Qué haz hecho hoy? ¿Cómo sigues de la gripa que tuviste la semana pasada? etc. Piensa en tu estudiante. Piensa en ti como estudiante y que es lo que mas recuerdas de tu relación con tu maestra o maestro de instrumento. ¿Cuándo se volvió verdaderamente significativa? Una vez que recuerdes esto, trata de ofrecérselo a tus estudiantes, sin querer ser como tu maestra o maestro, se tu misma, auténtica y no dejes de serlo porque eso es precioso para tus alumnos.
Recién venía escuchando un episodio de un entrepeneur que me ha ayudado mucho. Escuchar las entrevistas con las personas que han logrado tener un negocio exitoso en todos los aspectos me ha inspirado a crear muchos de los cursos, talleres, etc. que he realizado hasta hoy. Hoy estaban hablando de una pasión que tiene con alguien que la comparte: Coleccionar. No quiero decir que coleccionaban porque parecería que lo estoy desdeñando por el artículo en si, pero en verdad me di cuenta que no importa si son tarjetas de base-ball, sets de Lego, libros o vino. El principio de atesorar un objeto porque es mío, sencillamente lo veo como un desperdicio.
Siempre digo que dentro de la clase de Rítmica Dalcroze coleccionamos experiencias de aprendizaje, las cuales guardamos y son nuestras. Después las utilizamos a nuestra conveniencia. Quizá lo podría equiparar con tener una cava con vinos excelentes y de vez en cuando descorchamos una botella para acompañar una comida o simplemente disfrutarla. Pero si una botella de vino es muy buena, entonces la reservo para una ocasión muy especial, cierto? ¿Pero estoy esperando esa ocasión? O ¿Estoy tratando de crearla? y con ella, también el pretexto para compartir!
A lo mucho, soy un cartógrafo de mi propio mundo
A estas alturas, no necesito un pretexto para compartir, afortunadamente puedo conectarme a través de mi teléfono con otros maestros del mundo y compartir mi colección. Porque lo que pasa con este tipo de colecciones es que si no se comparten no son nada. No sólo la experiencia, sino la música, las planeaciones, todo. Antes teníamos que rogarle a alguien o encontrar una biblioteca que tuviera la partitura que buscábamos, Nos pasabamos horas rastreando música grabada que nos pudiera servir para cursos o pidiendo que nos «pasaran» la música que se había usado. Ahora todo está a nuestro alcance y existen algunas personas que una vez que lo han encontrado, encontrarán la manera mas sencilla de compartirlo con alguien mas. Eso es lo que hacen los maestros de verdad. Comparten. No estoy tratando de decir que yo lo soy, me gusta compartir, pero no se si lo que comparta lo quiera tomar alguien mas, pero se trata de intentar hacerlo, encontrar caminos, hacer caminos incluso. Y después, dibujar el mapa.
Así que no, no soy un coleccionista, a lo mucho, soy un cartógrafo de mi propio mundo y si a alguien le interesa alguna parte del camino que yo he seguido como un músico que toca el piano, la puerta está abierta.
